Abbey Road es el duodécimo álbum de estudio publicado por la banda británica de rock The Beatles, considerada por muchos su obra cumbre, pues fue el último disco de estudio de la banda, editado en el año 1969. Las grabaciones de Abbey Road comenzaron en abril de 1969, haciendo de este el último álbum grabado por la banda, ya que Let It Be, lanzado en 1970, había sido grabado con anterioridad. Fue lanzado el 26 de septiembre de 1969 en el Reino Unido, y el 1 de octubre del mismo año en los Estados Unidos.
El álbum fue producido y orquestado por George Martin, con Geoff Emerick como ingeniero de grabación y Tony Banks como operador de cinta. Participó también, como asistente de grabación, Alan Parsons.
El álbum se caracterizó por la presencia de un medley en el lado B, una larga pieza de 16 minutos, que constaba de ocho canciones enlazadas una tras otra sucesivamente. El álbum destacó también por contener dos de las canciones más conocidas del guitarrista George Harrison, "Something" y "Here Comes the Sun", popularizando ésta última el uso del sintetizador (Moog) en el rock. La portada del álbum se convirtió en una de las más famosas de la historia de la música, en la cual se representaba a The Beatles cruzando un paso peatonal en el cruce de Grove End Road con la calle Abbey Road, frente a los estudios donde se grabaron casi todas sus canciones desde 1962.
Está considerado uno de los álbumes mejor elaborados por The Beatles, aunque la banda apenas funcionaba ya como un un grupo unido en esa época. En 2003, ocupó el puesto n.° 14 en la lista realizada por la revista Rolling Stone de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Es uno de los seis álbumes certificados con disco de diamante de The Beatles, lo que los convierte en los máximos ganadores de este reconocimiento en la historia de la música. Los otros álbumes con disco de diamante son The Beatles/1962-1966, The Beatles/1967-1970, The Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.
Aquí os dejo la portada y el álbum entero para escuchar:
Slowhand es un álbum de Eric Clapton, lanzado en 1977. Contiene tres de sus sencillos más populares, la bluesera Cocaine original de J.J. Cale, la balada "Wonderful Tonight" y el hit con aires country "Lay Down Sally", así como también otras canciones que llegaron a ser clásicas de Clapton como "The Core" and "Next Time You See Her".
Con este álbum Eric probó que podía ser un gran éxito comercial aún después del relativo fracaso de su anterior disco, No Reason to Cry. Fue bien recibido tanto por la critica como por el público, llegando al #2 de las listas de Billboard, sólo superado por la banda sonora original de la película Saturday Night Fever. En 2003, el álbum fue listado #325 en la lista 500 greatest albums of all time de la revista Rolling Stone.
Algunos medios consideran a Slowhand junto con el álbum 461 Ocean Boulevard como los discos mejor logrados de Clapton.
Iniciando con la bluesera Cocaine y modificándola de la versión original de J.J. Cale para darle un sonido más cercano al rock, Clapton logra vincular rápidamente al oyente. En la costumbre de nunca apegarse a un estilo, Lay Down Sally tiene un sonido peculiar y con aires Country, principalmente por el sonido limpio usado en las guitarras y el apoyo de coristas en segundas voces. The Core además presenta un versátil Clapton haciendo dueto con Marcy Levy, cantante norteamericana, sobre un simple riff con cierta influencia hard-rock terminando en una extensa jam o improvisación. En general en esta entrega Clapton explora el Rock muy influenciado por estilo blues a lo británico y el Pop, haciendo un disco Rock/Pop a momentos soft-Rock. El disco debe su nombre al antiguo apodo de Eric Clapton, Slow Hand o Mano Lenta en español. Conceptualmente en sus carátulas presenta a Eric con su típica guitarra Fender sobre un fondo blanco. Aunque es usual que Clapton aparezca en las portadas de sus discos, en esta se privilegia mostrar la guitarra e inclusive no sale su rostro.
Canciones
"Cocaine" (J.J. Cale) – 3:41
"Wonderful Tonight" (Clapton) – 3:44
"Lay Down Sally" (Clapton, Marcy Levy, George Terry) – 3:56
"Next Time You See Her" (Clapton) – 4:01
"We're All The Way" (Don Williams) – 2:32
"The Core" (Clapton/Levy) – 8:45
"May You Never" (John Martyn) – 3:01
"Mean Old Frisco" (Arthur Crudup) – 4:42
"Peaches and Diesel" (Clapton, Albhy Galuten) – 4:46
Buenas a todos y a todas, hoy yo, Leviathan, os traigo la recomendación de esta semana, la cual es Torture, el ultimo álbum que sacaron los estadounidenses, Cannibal Corpse.
Bueno, con la portada de Torture,(La imagen de arriba), empezamos esta recomendación.
Primero decir, que el disco consta de dos capas, las cuales son: -Caja con titulo, nombre y tracklist del disco (en la parte trasera).
-Ademas de tener también mucho detalle en las imágenes, incluye un librillo con las letras de las canciones y una foto del grupo.
Este disco incluye un total de doce canciones, las cuales son las siguientes: (Según aparecen en el disco):
-Demented Aggression (La cual podéis escuchar mas abajo). -Sarcophagic Frenzy -Scourge Of Iron -Encased in Concrete -As Deep As The Knife Will Go -Intestinal Crank -Followed Home Then Killed -The Strangulation Chair -Caged...Contorted -Crucifier Avenged -Rabid -Torn Through
El disco ha sido lanzado con la discográfica "Metal Blade", la cual celebra los 30 años. Tal como podéis observar, las dos capas del disco, son diferentes, y no así por que sí, esto fue una idea del bajista de la banda, Alex Webster, para no ser censurados por causa de violencia gráfica, tal cual les ha pasado mas de una vez con varios discos. Alex Webster dice que esta portada junto a la de "The Wretched Spawn", es tal cual como definió Alex, morbosa. A continuación os dejo la portada original de The Wretched Spawn, y la versión censurada que hicieron para los países que les hicieron censurar la original
-Portada original:
-Portada censurada:
Bueno, no puedo decir mucho más de Torture, a parte de que es sin duda uno de los mejores discos de Death Metal que he escuchado. La revista Metal Hammer dijó sobre el disco: "¡Los Motörhead del Death Metal, han vuelto! ¡Sabes lo que tienes y tienes CANNIBAL al máximo! Torture es uno de los mejores álbumes de Cannibal...¡Esto es puro material de Death Metal! (Estas palabras están en una pegatina que viene en el envoltorio de plástico del disco).
La revista Metal Hammer, de una escala del 1 al 7, calificó al álbum Torture con un 6/7, con lo cual Cannibal Corpse, quedó satisfecho.
Y bueno, hasta aquí la recomendación de esta semana, por último, os dejo la canción "Demented Aggression", la primera canción del disco,¡disfrutadla y hasta otra!
AC/DC es una banda de hard rock formada en Sídney (Australia) en 1973 por los hermanos escoceses Malcolm y Angus Young.
Su primer concierto se llevó a cabo la noche de fin de año de 1973, coincidiendo con el lanzamiento de su sencillo Can I Sit Next to You Girl, cuyo cantante era Dave Evans.
Highway to Hell es el sexto álbum de estudio de la banda de hard rock australiana AC/DC que salió a la venta en 1979. También es el quinto álbum de estudio internacional de la banda y todas sus canciones fueron escritas por Angus Young, Malcolm Young, y Bon Scott.
Se consideró el álbum más popular de la banda hasta el momento, y ayudó a incrementar la popularidad de ésta considerablemente, posicionándola para el éxito de su álbum Back In Black el año siguiente. Fue el último álbum grabado con el vocalista Bon Scott antes de que este muriese en febrero de 1980.
Tracklist:
1.Highway to Hell 3:26
2.Girls Got Rhythm 3:23
3.Walk All Over You 5:08
4.Touch Too Much 4:24
5.Beating Around the Bush 3:55
6.Shot Down in Flames 3:21
7.Get it Hot 2:24
8.If You Want Blood 4:37
9.Love Hungry Man 4:14
10.Night Prowler 6:13
¡Hola a todos! La recomendación de esta semana será del mítico álbum "Presence", del legendario grupo británico Led Zeppelin.
Presence es un álbum de estudio publicado por Swan Song Records el 31 de marzo de 1976. El álbum fue concebido tras las serias lesiones sufridas por Robert Plant en un accidente de tráfico en Rodas, Grecia, el 15 de agosto de 1975, el cual obligó a postponer la gira mundial planeada para 1975 y 1976. Durante su periodo de convalecencia en Malibú, California, Plant y Page habían escrito suficiente material como para empezar a trabajar en Hollywood's SIR Studio. El álbum fue escrito en tres semanas en Musicland Studios de Múnich, Alemania, con Plant en una Silla de ruedas. Ambos habían planeado las sesiones de grabación de este álbum como la vuelta a la simplicidad y la espontaneidad tras haber trabajado con los complejos arreglos de los discos Houses Of The Holy o Physical Graffiti. Es el único disco de Led Zeppelin que no incluye ni pistas acústicas ni teclados.
El disco alcanzó el nº 1 en la lista de discos pop publicada por la revista Billboard, aunque nunca fue tan exitoso como los tres álbumes anteriores, vendiendo únicamente tres millones de copias en Estados Unidos y siendo calificado por la crítica como el peor trabajo discográfico de la banda. Paradójicamente, el disco contiene algunos temas magnífcos como Achilles Last Stand, considerado para algunos el segundo mejor tema de la banda, luego de Stairway to Heaven.
Tracklist
1.-"Achilles Last Stand" (Page/Plant) 10:22
2.-"For Your Life" (Page/Plant) 6:20
3.-"Royal Orleans" (Bonham/Jones/Page/Plant) 2:58
4.-"Nobody's Fault But Mine" (Page/Plant) 6:16
5.-"Candy Store Rock" (Page/Plant) 4:11
6.-"Hots On For Nowhere" (Page/Plant) 4:43
7.-"Tea For One" (Page/Plant) 9:27
Personal
Jimmy Page - Guitarra eléctrica, productor
Robert Plant - Vocalista y armónica
John Paul Jones - Bajo.
John Bonham - Batería y Percusiones
Peter Grant - Productor ejecutivo
Keith Harwood - Ingeniero de sonido, mezclador
Jeremy Gee - Ingeniero de cintas
George Hardie - Diseño de portada y libreto
Hipgnosis - Diseño de portada y libreto
¡Buenos días! Hoy haré la recomendación del legendario álbum "Nevermind", de Nirvana.
El 24 de septiembre de 1991, la misma semana que se lanzaba otro de los discos seminales del nuevo rock, 'Screamadelica' de Primal Scream, salió al mercado el segundo disco de la banda de Kurt Cobain, con unas previsiones de venta de 50.000 unidades, pronto desbordadas.
'Nevermind' estuvo agotado durante semanas y, a pesar de ello, terminó colocando diez millones de copias en su país y 20 más en el resto del mundo. Eso, tras desalojar del Nº 1 de la lista de la revista especializada 'Billboard' al mismísimo Michael Jackson, que en aquel momento triunfaba con 'Dangerous'.
Kurt Cobain, el bajista Krist Novoselic y el batería Dave Grohl pasaron de patearse EEUU en pequeñas salas y festivales a convertirse en megaestrellas de la música, con 70.000 personas aguardando ante el escenario a los nuevos amos del grunge, nombre del estilo musical que abanderaron y que deriva de "sucio".
Según los expertos, su principal logro radicó en modernizar la forma y el fondo del rock, que en aquel momento se sacudía al son de los melenudos y metaleros Guns N' Roses. Además, lo aproximó al movimiento indie, más popero por aquel entonces, y consiguió que los medios comerciales se plegaran a ellos, una barrera hasta entonces infranqueable para la música alternativa.
El cronista musical Steve Lamacq, de la revista 'NME', escribía ya por aquel entonces: "Nevermind es un disco para la gente que quiere que le guste Metallica, pero que no puede procesar su falta de melodía, al tiempo que hace suyos algunos de los logros en este ámbito de los Pixies, dotándolos de músculo nuevo".
LA GRABACIÓN
Uno de los elementos clave del disco fue la producción de Butch Vig, conocido posteriormente como miembro de la banda Garbage. Su experiencia como batería determinó su elección y el sonido resultante del álbum, muy centrado en la percusión.
En el proceso final de remezclas contaron, además, con Andy Wallace, quien se empeñó en separar la guitarra de la batería para hacerlo aún más poderoso en las escuchas radiofónicas.'Nevermind' se cocinó entre abril de 1990 y mayo de 1991 en los Smart Studios de Wisconsin y los estudios Sound City de Los Ángeles.
Charles R. Cross, periodista especializado en la escena musical de Seattle, recoge en su biografía de Cobain declaraciones del productor sobre aquellas jornadas, marcadas por el nerviosismo y el consumo masivo de alcohol, y que abarcaban desde las tres de la tarde hasta la medianoche, cuando iniciaban sus correspondientes vigilias de desparrame. Vig recuerda, además, los cambios de humor de Cobain y su frustración en algunos momentos de la grabación, como cuando estrelló una guitarra contra el suelo.
EL DESODORANTE QUE LO CAMBIÓ TODO
La sorpresa de aquellas sesiones llegó cuando la banda tocó una composición nueva del carismático cantante, 'Smells Like Teen Spirit'. El peculiar título provenía de una marca de desodorante, que utilizaba una de las integrantes de otra banda de rock. Tras una noche de juerga, una de las chicas escribió con graffiti sobre una pared: "Kurt huele a Teen Spirit". Aludía así al hecho de que el cantante de Nirvana había pasado la noche con su compañera de grupo.
Este episodio provocaría la ruptura con su novia de entonces, Tobi Vail, que a su vez inspiró ésta, su canción más popular, así como otros muchos temas que se convirtieron en himnos de una generación desencantada.
De esa canción surgió, además, el título definitivo del álbum (en un principio se barajó 'Sheep'). Según Kurt, 'Nevermind', escrito todo junto, reflejaba sus sentimientos acerca de la vida ("never mind" significa "no importa") y destacaba su incorrección gramatical.
MÁS QUE CANCIONES, HIMNOS GENERACIONALES
'Nevermind' vendió 30 millones de discos en todo el mundo y abanderó el movimiento grunge, además de modernizar el rock y llevar la cultura independiente a los medios tradicionales
Sorprende que todo aquel fenómeno fuese desatado por aquel joven rubio y guapo, pero de aspecto frágil, poco aseado y enfermizo, que apenas dos años antes no era contratado ni para limpiar residencias caninas y que, a unas semanas de la publicación de 'Nevermind', se veía forzado a dormir en su coche.
Pero aquel desastre andante, que no era capaz ni de pagar la renta de su apartamento, sí supo condensar como nadie la frustración de la generación de los años 90. Las suyas eran en general canciones desesperanzadoras, en parte fruto de las secuelas mentales que le dejó el divorcio de sus padres y de los tremendos dolores de estómago que sufría y que comenzó a mitigar con drogas.
A ello se añadía su particular manera de cantar, sin apenas vocalización, lo que acentuaba la sensación de rabia, remordimiento, desesperación y súplica que llenaba éxitos como 'Come As You Are' o 'Lithium'.
Finalmente, la época de 'Nevermind' constituyó también un momento fundamental fuera de lo musical, pues inició su apasionada y tormentosa relación con Courtney Love, a la sazón madre de su hija, y se inició en el consumo de heroína, lo que con el tiempo le introduciría en una espiral de decadencia absoluta.
Aquí os dejo el álbum entero para escuchar con el tracklist:
1. "Smells Like Teen Spirit" (Cobain, Novoselic, Grohl) -- 0:00
2. "In Bloom" -- 5:02
3. "Come as You Are" -- 9:15
4. "Breed" -- 12:54
5. "Lithium" -- 15:59
6. "Polly" -- 20:14
7. "Territorial Pissings" -- 23:11
8. "Drain You" -- 25:34
9. "Lounge Act" -- 29:19
10. "Stay Away" -- 31:55
11. "On a Plain" -- 35:27
12. "Something in the Way" -- 38:44
13 . Endless, Nameless -- (6:44) "hidden track" -- 42:32
¡Hola a todos!
La recomendación de esta semana es el magnífico álbum "Highway 61 Revisited", de Bob Dylan.
Highway 61 Revisited es el sexto álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por Columbia Records en 1965.
Supone el primer álbum de Dylan en ser grabado de forma completa con una banda de rock, después de experimentar con nuevos sonidos en Bringing It All Back Home. Es comúnmente denominado como una muestra del periodo de "hombre joven y enfadado" en la carrera de Dylan, al estar conformado en su mayoría por composiciones de naturaleza acusatoria y con sonidos rudos y altos.
Con éxitos como "Like a Rolling Stone" y "Ballad of a Thin Man", es considerado como uno de los mejores álbumes en la carrera del músico y uno de los más influyentes en la música contemporánea. El propio Dylan comentó al respecto: "No voy a ser capaz de hacer un disco mejor que aquel... Highway 61 es demasiado bueno. Hay mucho material en él que yo mismo escucharía".3
Highway 61 Revisited alcanzó el puesto #3 en las listas de Billboard y el #4 en el Reino Unido, mientras "Like a Rolling Stone" alcanzó el puesto #2 en las listas americanas y el #4 en las británicas.4 Asimismo, se sitúa en el número uno de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, elaborada por la revista musical Rolling Stone.5 Por su parte, Highway 61 Revisited figura en el puesto #4 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
Highway 61
Highway 61, en español Autopista 61, también llamada "Blues Highway",7 se extiende desde Nueva Orleans, Luisiana, hasta Memphis, Tennessee, así como desde Iowa hasta la frontera con Canadá, pasando por Duluth, Minnesota, lugar de nacimiento de Bob Dylan.8+ Es frecuente su referencia en canciones de blues, notablemente en "61 Highway", de Mississippi Fred McDowell. Por su parte, Robert Johnson se ha referido al cruce entre la Autopista 61 y la 49 como el lugar en el que vendió su alma al diablo. Elvis Presley creció en un barrio construido en las cercanías del lugar, mientras que Martin Luther King, Jr. fue asesinado en la terraza de un motel cercano a la Autopista 61.10
"Muchas personas importantes en la cultura americana cruzaron esa autopista y ese río", comentó Robert Shelton a la BBC. "Y en su juventud Dylan cruzó esa carretera. La autopista 61 es, creo, un símbolo de libertad, un símbolo de movimiento, de independencia y una oportunidad para largarse de una vida que no quería en Minnesota."
Mientras "Like a Rolling Stone" fue completado a mediados de junio de 1965, el resto del álbum fue grabado con un productor diferente, Bob Johnston, durante cuatro días de sesiones de grabación que tuvieron lugar tras la aparición de Dylan en el Newport Folk Festival de 1965. Las sesiones produjeron, asimismo, el siguiente single de Dylan, "Positively 4th Street", no incluido en el álbum.
Newport Folk Festival
Antes de que Dylan grabara las canciones e incluso antes de componerlas, realizó una histórica aparición en el Newport Folk Festival, tocando dos sets. El primero de ellos fue un set acústico interpretado en la tienda de un compositor el sábado por la tarde.
En el segundo set, Dylan se acompañó de una banda de blues eléctrica, con una mezcla de aplausos y abucheos por parte del público. Dylan abandonó el escenario tras interpretar tres canciones. Los abucheos procedían en su totalidad de seguidores de la música tradicional folk que criticaron a Dylan en el mismo momento en que se colgó la guitarra eléctrica. Otras fuentes señalan que las quejas se produjeron básicamente por el pobre sonido y por el corto set. Aún así, Dylan volvió a aparecer en el escenario para cantar dos canciones mejor recibidas que las anteriores, "It's All Over Now, Baby Blue" y "Mr. Tambourine Man".
Tras la crítica suscitada por el set eléctrico, el nuevo estilo de Dylan provocó fuertes debates en torno a la música folk.Según Andy Gill, "los viejos folkies estaban demasiado ocupados cantando 'The Times They Are a-Changin'' como para enterarse de que los tiempos en realidad habían cambiado".
Sesiones de grabación
Entre 1964 y 1965, Dylan escribió Tarantula, una novela que no fue publicada hasta 1971. Al menos, un extracto del libro sirvió como fuente para componer una canción. Tal y como Dylan reconoció en 1966: "Me encontré a mí mismo escribiendo esta canción, esta historia, esta larga pieza de vómito de unas veinte páginas, y después tomé "Like A Rolling Stone"... Después de escribirla, no estaba interesado en escribir una novela".
El manuscrito original de veinte páginas ha sido descrito por su biógrafo Clinton Heylin como "una masa deforme de palabras cuya dirección es incierta." Después de ser reescrita en diez páginas, "no se llamaba de ninguna manera", recalcó Dylan, "sólo una cosa rítmica en papel, dirigido en alguna dirección que era honesta".
Cuando Dylan recuperó las fuerzas para grabar un nuevo álbum, él y Tom Wilson juntaron a cierto número de músicos para conformar una banda. Para la guitarra principal, Dylan reclutó a un viejo conocido, Mike Bloomfield. En 1965, era guitarrista principal en la banda de blues de Paul Butterfield, valorada por los críticos dentro del género del blues. Dylan contactó con Bloomfield y le invitó a Woodstock, Nueva York. "Por entonces no tenía una funda para guardar la guitarra", reconoció Bloomfield, "sólo mi Fender Telecaster. Y Bob me llamó y me citó en la casa donde vivía... me dio esas canciones, 'Like A Rolling Stone', y todos esos temas de Highway 61 Revisited, y me dijo: 'No quiero que toques ese plomo estilo B.B. King, nada de estereotipos del blues, quiero que toques cualquier otra cosa.' De modo que tonteamos y finalmente toqué lo que quería".
Días después, el 15 de junio de 1965, Dylan organizó una sesión de grabación en el estudio A de Columbia en Nueva York. De forma adicional, Dylan y Wilson reclutaron al pianista Frank Owens, al bajista Russ Savakus y al batería Bobby Gregg. También presente estuvo Al Kooper, un joven músico invitado por Wilson para observar.
Dylan y su banda grabaron tres canciones: una nueva composición titulada "Phantom Engineer" (posteriormente regrabada y publicada con el nombre de "It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry"), "Sitting on a Barbed Wire Fence" y "Like a Rolling Stone". Se desempeñaron varios intentos de grabar "Phantom Engineer" y "Sitting on a Barbed Wire Fence" antes de que Dylan centrara su atención en "Like a Rolling Stone".
Tras falsos comienzos, Dylan decidió usar un piano y un órgano en "Like a Rolling Stone". Kooper se ofrecería voluntario para tocar el órgano, y si bien Wilson dejó claro que Kooper no tenía experiencia en tocar el instrumento, al final le permitió participar en la grabación. Kooper se mostró tan incierto que tocó por detrás del ritmo para escuchar primero los cambios en éste. Tras grabar una toma completa, "se trasladaron a la cabina para oírlo de nuevo", diría Kooper. Durante la escucha, y tras ser de su agrado el resultado, Dylan preguntó a Wilson si podían subir el sonido del órgano en la mezcla.
Todo lo grabado el 15 de junio fue finalmente rechazado, aunque preparó el escenario para las siguientes sesiones. Dylan y su banda volvieron al estudio A el siguiente día. De forma virtual, la sesión al completo estuvo dedicada a "Like a Rolling Stone", con Kooper tocando de nuevo el órgano. La cuarta toma fue finalmente seleccionada como toma maestra, si bien Dylan y la banda volvieron a grabar once tomas nuevas antes de escuchar los resultados de la grabación en la cabina del estudio.
Si bien "Like a Rolling Stone" podía ser seleccionada como single, Dylan decidió al final incluirla en su próximo trabajo. Debido a la escasez de nuevo material, Dylan pasaría un mes en su nueva casa de Byrdcliffe, cerca de Nueva York, escribiendo nuevas canciones.
Cuatro días después del Newport Folk Festival, el 29 de julio de 1965, Dylan volvió al estudio A para reanudar el trabajo de su siguiente álbum. Apoyado por la misma banda que participó en las anteriores sesiones (el pianista Paul Griffin sería recluido para el resto de las grabaciones), Dylan encontró un problema al desligarse el productor Tom Wilson del trabajo en el álbum. De forma inmediata, fue reemplazado por el productor de Columbia Bob Johnston. Al llegar a las grabaciones de Highway 61 Revisited, Johnston llevó consigo a un nuevo ingeniero, Mike Figlio, quien previamente había trabajado en el tema "I Left My Heart in San Francisco", de Tony Bennett.
La primera sesión fue dedicada a tres canciones. Tras experimentar con distintos acordes y tempos, se produjeron tomas maestras de "Tombstone Blues", "It Takes a Lot To Laugh, It Takes a Lot To Cry" y "Positively 4th Street". "Tombstone Blues" e "It Takes a Lot To Laugh, It Takes a Lot To Cry" fueron incluidas en el álbum, mientras "Positively 4th Street" fue editada de forma exclusiva como single.
Al día siguiente, Dylan y su banda volvieron al estudio A para grabar otras tres canciones. Se produjo una toma maestra de "From a Buick 6", finalmente incluida en el álbum, aunque la mayor parte de la sesión de grabación fue dedicada a "Can You Please Crawl Out Your Window?". Dylan se mostró insatisfecho con los resultados, y descartó la canción para otro día; sería regrabada de forma eventual meses más tarde. Una toma alternativa procedente de las sesiones de Highway 61 Revisited fue publicada en single, llevando el título de "Positively 4th Street". De forma adicional, una toma alternativa de "From a Buick 6", con una introducción de harmónica, fue publicada accidentalmente en algunas ediciones en estéreo del álbum.
Durante los dos siguientes días, Dylan pasó cierto tiempo escribiendo las seis canciones restantes que conformarían el álbum, en cuya grabación el bajista Russ Savakus fue reemplazado por Harvey Brooks.El 2 de agosto de 1965, se llevó a cabo una nueva sesión de grabación en el estudio A, con Sam Lay en la batería. "Highway 61 Revisited", "Just Like Tom Thumb's Blues", "Queen Jane Approximately" y "Ballad of a Thin Man" fueron grabadas de forma satisfactoria, siendo seleccionadas tomas maestras para el álbum.
El 4 de agosto de 1965 se desarrolló la última sesión de grabación, nuevamente en el estudio A. Gran parte de la sesión fue dedicada a "Desolation Row", finalmente grabada con dos guitarras. Según Kooper y Johnston, el guitarrista Charlie McCoy se desplazó hasta Nueva York para acompañar a Dylan en el tema. Se grabaron siete tomas, con la seis y la siete fusionadas en una única toma maestra finalmente incluida en el álbum. Una toma de "Tombstone Blues" fue también grabada, pero no reemplazó a la toma maestra grabada en la sesión anterior.
Canciones descartadas
"Positively 4th Street" fue grabada durante las sesiones de Highway 61 Revisited, pero finalmente no fue incluida en el álbum. La canción sería seleccionada como el single sucesor de "Like a Rolling Stone", entrando en los diez primeros puestos de las listas a ambos lados del Atlántico.
"Can You Please Crawl Out Your Window?" fue finalmente grabada en noviembre con una banda diferente, the Hawks (posteriormente renombrados como The Band). Una de las tomas grabadas durante las sesiones de Highway 61 Revisited sería accidentalmente editada, aunque al poco tiempo sería eliminada.
"Sitting on a Barbed-Wire Fence", tema grabado en las sesiones del álbum Bringing It All Back Home, fue de nuevo intentada para Highway 61 Revisited, aunque finalmente omitida. La toma maestra grabada durante las últimas sesiones vería la luz en The Bootleg Series Volumes 1-3 (Rare & Unreleased) 1961-1991. Otra canción descartada del álbum fue "Lunatic Princess Revisited (Why Should You Have to Be so Frantic?)".
Las siguientes canciones, omitidas de Highway 61 Revisited, fueron grabadas durante dichas sesiones y publicadas en The Bootleg Series Vol. 7: No Direction Home: The Soundtrack:22
"It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry" – 3:33
Toma alternativa grabada el 15 de junio de 1965
"Tombstone Blues" – 3:34
Toma alternativa grabada el 29 de junio de 1965
"Just Like Tom Thumb's Blues" – 5:42
Toma alternativa grabada el 2 de agosto de 1965
"Desolation Row" – 11:44
Toma alternativa grabada el 29 de junio de 1965
"Highway 61 Revisited" – 3:38
Toma alternativa grabada el 2 de agosto de 1965
Resultados
Años después de su publicación, Dave Marsh escribió que Highway 61 Revisited era "uno de los mejores álbumes de Dylan, y uno de los mayores logros en la historia del rock'n'roll". Encuestas desarrolladas en años recientes demuestran que el álbum sigue fijo en lo alto del panteón del rock. En 1995, Highway 61 Revisited fue nombrado el quinto mejor álbum de todos los tiempos en una encuesta producida por la revista Mojo.26 En 1998, los lectores de la revista Q emplazaron a Highway 61 Revisited en el puesto #57 de los mejores álbumes.27 En 2001, la cadena de televisión VH1 emplazó el álbum en el número 22.28 En 2003, la revista musical Rolling Stone colocaría a Highway 61 Revisited en el puesto #4,mientras los temas "Like A Rolling Stone", "Desolation Row" y "Highway 61 Revisited" se alzarían hasta los puestos #1, #185 y #364 respectivamente en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.
Reconocido como una influencia masiva en los contemporáneos de Dylan, su publicación coincidió con los éxitos comerciales de singles como "Like a Rolling Stone" y "Positively 4th Street", brindándole una nueva audiencia.
Lista de canciones
Todos los temas compuestos por Bob Dylan.
Cara A
"Like a Rolling Stone" – 6:13
"Tombstone Blues" – 5:58
"It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry" – 4:09
"From a Buick 6" – 3:19
"Ballad of a Thin Man" – 5:58
Cara B
"Queen Jane Approximately" – 5:31
"Highway 61 Revisited" – 3:30
"Just Like Tom Thumb's Blues" – 5:31
"Desolation Row" – 11:21
Personal:
Bob Dylan: voz, guitarra, armónica y piano
Mike Bloomfield: guitarra
Harvey Brooks: bajo
Bobby Gregg: batería
Paul Griffin: órgano y piano
Al Kooper: órgano y piano
Sam Lay: batería
Charlie McCoy: guitarra
Frank Owens: piano
Russ Savakus: bajo
Aquí os dejo el single "Like a Rolling Stone" para escuchar:
Hola a todos, aquí Hayk con la recomendación de esta semana, Morrison Hotel, de The Doors.
Morrison Hotel es el quinto álbum de estudio de la banda de rock estadounidense The Doors, publicado en 1970. Ya que su anterior trabajo, The Soft Parade, no fue muy bien recibido por el público, la banda decidió regresar a un estilo marcadamente blues. Además, las letras se hacen más desenfadadas, aunque el toque Morrison sigue haciendo que resulten complejas. En esta misma línea, grabarán su siguiente disco, L.A. Woman, el último de estudio en el que participó Jim Morrison.
Es un álbum de marcado carácter conceptual con un amplio diferencial entre las dos caras del disco: la cara A, llamada Hard Rock Cafe, que contiene desde "Roadhouse Blues" hasta "Ship Of Fools" y la cara B, Morrison Hotel, desde "Land Ho!" hasta "Maggie M'Gill". Del título de la cara A tomó su nombre la cadena de restaurantes Hard Rock Cafe.
Destaca también la colaboración de los bajistas Ray Neopolitan y Lonnie Mack en "Roadhouse Blues", además de John Sebastian, bajo el alias G. Puglese.
La fotografía de la portada se debe a Henry Diltz y su diseño a Gary Burden.
En el Perception Box Set de 2006, The Doors remasterizan toda su discografía. Cada álbum incluye algunos "bonus tracks".
Lista de canciones
Canciones escritas por Jim Morrison, Robby Krieger y The Doors, música de The Doors.
"Roadhouse Blues" - 4:05 (Morrison/The Doors)
"Waiting For The Sun" - 4:00 (Morrison)
"You Make Me Real" - 2:53 (Morrison)
"Peace Frog" - 2:50 (Morrison/Krieger)
"Blue Sunday" - 2:12 (Morrison)
"Ship Of Fools" - 3:08 (Morrison/Krieger)
"Land Ho!" - 4:10 (Morrison/Krieger)
"The Spy" - 4:17 (Morrison)
"Queen Of The Highway" - 2:47 (Morrison/Krieger)
"Indian Summer" - 2:35 (Morrison/Krieger)
"Maggie M'Gill" - 4:24 (Morrison/The Doors)
Bonus tracks de su relanzamiento en 2007
"Talking Blues"
"Roadhouse Blues" (toma 1-3)
"Roadhouse Blues" (toma 6)
"Carol"
"Roadhouse Blues" (toma 1)
"Money Beats Soul"
"Roadhouse Blues" (toma 13-15)
"Peace Frog" (Dialogue & False Start)
"The Spy" (versión 2)
"Queen of the Highway (Jazz versión)
Y como siempre, aquí os dejo el álbum entero para escuchar:
Después de haber demostrado todo su talento con el lp "In Rock" en 1970 Y su consolidación comercial con el album "Fireball" en 1971, Deep Purple se dispondrían a lanzar este estupendo album en 1972, que llegaría al numero cinco de los charts americanos, reflejando además una sublime armonía entre todos los miembros de la banda y conteniendo una de las canciones mas reconocidos de la banda, la brillante "Smoke On the water".
Este excelso lp contiene siete cortes, convirtiéndose varios de ellos con el transcurso del tiempo en verdaderos clásicos de la banda.
El disco comienza con "Highway Star", un excelente tema que contiene una brillante estructura rítmica, en el que se complementan a la perfección Lord y Paice, sin olvidarse de un gran aporte de Blackmore en la guitarra y un impecable trabajo de Gillan.
Continúa con "Maybe I'm a Leo", una estructura interesante que le sirve a Gillan para destacar en sus grandes facultades vocales.
Le prosigue "Pictures of Home", canción que se inicia con una pequeña introducción de Paice, y que a lo largo del tema tiene un espacio para que se destaquen cada miembro en un fragmento.
Luego llega el turno de "Never Before", un extraño tema que se podría dividir en dos, una parte cercana a un tema lento y en otras partes muy movida.
"Smoke On The Water" presenta tal vez el riff inicial más famoso del genero y un verdadero clásico, no solo del hard rock de la época sino de todo el rock, con un gran trabajo en las seis cuerdas de Blackmore.
Le sigue "Lazy", tema que comienza con un muy buen aporte de Lord que además contiene un pequeño agregado de armónica para completar un tema excelente.
Y culmina con "Space Truckin'", otro corte con una gran parte rítmica sobresaliendo la labor de Lord, Blackmore y Gillan.
Todas las canciones fueron escritas y compuestas por Deep Purple
Primera edición (1972)
"Highway Star" – 6:05
"Maybe I'm a Leo" – 4:51
"Pictures of Home" – 5:03
"Never Before" – 3:56
"Smoke on the Water" – 5:40
"Lazy" – 7:19
"Space Truckin'" – 4:31
Re-edición especial 25º aniversario (1997)
Disco uno - Remezclado en 1997
"Highway Star" – 6:39
"Maybe I'm a Leo" – 5:25
"Pictures of Home" – 5:21
"Never Before" – 3:59
"Smoke on the Water" – 6:18
"Lazy" – 7:33
"Space Truckin'" – 4:52
"When a Blind Man Cries" – 3:33
Disco dos - Remasterizado
"Highway Star" – 6:08
"Maybe I'm a Leo" – 4:52
"Pictures of Home" – 5:08
"Never Before" – 4:00
"Smoke on the Water" – 5:42
"Lazy" – 7:24
"Space Truckin'" – 4:35
Are You Experienced? es el álbum debut de The Jimi Hendrix Experience , que fue lanzado en 1967. Este álbum estableció a Hendrix como uno de los artistas de rock más importantes de su época, gracias a su innovadora técnica y uso de feedback. Es frecuentemente considerado uno de los mejores y más importantes álbumes en la historia del rock. En el año 2003, la prestigiosa revista Rolling Stone situó este álbum en el número 15 de su lista Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
Tras llegar a Inglaterra en septiembre de 1966 y ser tomado bajo el ala de Chas Chandler, Hendrix formó The Jimi Hendrix Experience con Mitch Mitchell en batería y Noel Redding en bajo. El grupo editó tres singles que tuvieron mucho éxito en Inglaterra: "Hey Joe"/"Stone Free" (en diciembre de 1966), "Purple Haze"/"51st Anniversary" (marzo de 1967) y "The Wind Cries Mary"/"Highway Chile" (mayo de 1967). Al mismo tiempo, la banda grabó este álbum con Chas Chandler como productor. Tras lanzarse en Inglaterra en mayo de ese año sin los tres singles (como era costumbre en ese país en ese entonces), "Are You Experienced" y The Jimi Hendrix Experience se convirtieron rápidamente en una sensación a lo largo de Europa, y el álbum llegó al segundo lugar en ventas en las listas británicas (solo superado por "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de los Beatles).
Todas las canciones fueron escritas por Jimi Hendrix, excepto ""Hey Joe" que fue escrita por Billy Roberts. Las versiones de "Red House" de la edición británica y la estadounidense son diferentes tomas.
Edición Británica
"Foxy Lady" (3:19)
"Manic Depression" (3:42)
"Red House" (3:42)
"Can You See Me" (2:33)
"Love Or Confusion" (3:11)
"I Don't Live Today" (3:55)
"May This Be Love" (3:11)
"Fire" (2:43)
"Third Stone From The Sun" (6:44)
"Remember" (2:48)
"Are You Experienced?" (4:14)
"Purple Haze" (2:51)
"Manic Depression" (3:42)
"Hey Joe" (3:30)
"Love Or Confusion" (3:11)
"May This Be Love" (3:11)
"I Don't Live Today" (3:55)
"The Wind Cries Mary" (3:20)
"Fire" (2:43)
"Third Stone From The Sun" (6:44)
"Foxy Lady" (3:19)
"Are You Experienced?" (4:14)
Pistas adicionales
"Stone Free" (3:35)
"51st Anniversary" (3:15)
"Highway Chile" (3:32)
"Can You See Me" (2:32)
"Remember" (2:48)
"Red House" (3:51)
¡Hola a todos! Hoy os he traído la recomendación de este álbum tan especial, pero ésta vez no será un análisis, como siempre, ésta vez, narrará una "historia" Empecemos:
Cuando uno coloca en el giradiscos el vinilo que nos ocupa, lo primero que escucha es un latido. Ahogado, pero claramente audible. Se perciben unas risas de fondo y las hélices de un helicóptero. Una voz humana emite unos chillidos que semejan el graznido de una gaviota, y eso es una canción. Una canción de Pink Floyd. Una canción llamada “Speak to me”. La canción que abre el “Dark Side of the Moon”.
Sirva ese ejemplo de presentación. Roger Waters, Nick Mason y Richard Wright se deshicieron del cuarto miembro original, Syd Barrett, porque el LSD le había destrozado el cerebro y convertido en un vegetal. Una tarde de finales de los sesenta conducían por Londres camino del estudio de grabación y alguien dijo: “¿No paramos a recoger a Syd?”; “¿Para que?”, le contestaron los otros. La música de Pink Floyd, sin embargo, siempre mantuvo ese halo de locura que había aportado el líder de la primera época.
Waters, Mason y Wright, junto al nuevo guitarrista David Gilmour, crearon un sonido único, una fórmula original, algo que no procedía de ninguna parte. Ian Anderson, de Jethro Tull, lo explicaba una vez: Así como todos los músicos británicos que triunfaban en la escena local habían bebido de las fuentes del Blues, así como los pioneros del rock and roll tuvieron como referentes a los grandes intérpretes country, la música y la capacidad de experimentar de los Floyd nacía en ellos mismos. En su mentalidad matemática de estudiantes de la escuela superior de arquitectura donde se conocieron. En el popular barrio de Notting Hill, en Londres, sigue en pie un pintoresco edificio de ladrillo rojo y geometría curiosa, donde la banda dio sus primeros pasos. En aquella calle hoy día tranquila y silenciosa, tras la transitada y concurrida Portobello Road, puedes imaginarte al espigado Waters, al sencillo Mason, al academicista Wright y al inquieto genio Gilmour descargando su peculiar y atípico atrezzo, meros objetos que raras veces habían sido diseñados originalmente como instrumentos musicales, y de los que la banda extraía petróleo.
Hay docenas de puristas que consideran a los Floyd de Barrett como los únicos a tener en cuenta. Yo, y el buen gusto ante el talento musical, no podríamos estar en mayor desacuerdo. En el decenio 1973-1983 Pink Floyd compusieron cinco pilares, dieron con un lenguaje sonoro que nadie ha podido imitar.
El primero de esos cinco pilares es este “Dark Side of the Moon”. Tras los primeros pasos, tras el directo “Ummagumma”, tras los dos trabajos mas o menos ortodoxos –siempre dentro de los parámetros Floyd- que fueron “Meddle” y “Atom Heart Mother”, los cuatro empollones londinenses se aventuraron por el terreno que para otros podía ser simple, el de la composición convencional de canciones, y entregaron a la posteridad una innovadora obra de arte. Un paso adelante en sonido y técnicas de grabación, que contó con comodines de lujo como el ingeniero Alan Parsons tras la mesa de mezclas, y el aporte musical imprescindible de un saxofonista llamado Dick Parry, y la vocalista Clare Torry.
Equilibrado, mágico y caleidoscópico, “Dark side…” se nutre de cuatro o cinco canciones al uso, enlazadas por momentos instrumentales y sónicos donde todo cabe y sorprende. Al latido introductorio descrito sigue un elegante arpegio de guitarra acústica que presenta con exquisita finura el “Breathe”, la primera de las canciones cantadas, con letra onírica y desconcertante.
Tenemos a continuación “On the Run”, entreacto instrumental caótico, donde las hélices de un helicóptero cruzan una y otra vez de un altavoz a otro. El sonido estereo se estaba inventando, y al escuchar con auriculares esta pieza daba la sensación de que el helicóptero te atravesaba la cabeza.
“Time”, siguiente pieza cantada. La letra habla de la fugacidad de la vida, de lo irrefutable del paso del tiempo, y el melancólico solo de guitarra de David Gilmour es de antología. La intro de la canción es igualmente memorable, con todos esos sonidos de relojes antiguos dando la hora a la vez, creando ese clima enervante, esa sensación de locura.
“The Great Gig in the Sky”, composición del teclista Wright, es una maravilla. Clare Torry, esa mujer para mi desconocida, canta como una valkiria. Se trata de un tema ambiental, con voces y suaves teclados de fondo, sin letras, solo una melodía que la intérprete entona hasta llegar al paroxismo. Como si cantara desde la cima de un monte sobre un campo de fuego.
“Money”, tal vez el tema mas conocido. Dinámico y vital, con un bajo incansable, novedosos efectos de cajas registradoras, letra sobre el consumo, y tremendos solos de guitarra y saxofón. Me encantan estos momentos duros en la discografía de Pink Floyd. Estos destellos hard-rockeros que no abundan y que habitualmente cantaba David Gilmour. Tenemos ejemplos como el “Young Lust” de “The Wall”, el “Dogs of War” de “A momentary Lapse of Reason” o “Not now John” en “The Final Cut”.
En contraste, la siguiente “Us and Them”, joya sotisficada y tranquila, con deliciosos coros, protagonismo melódico del saxo y gran trabajo pianístico.
“Any colour you like”, fragmento instrumental tocado con pericia, y la catarsis final: La locura que yo siempre asocio a determinados pasajes de la obra de Floyd: “Brain Damage”, el cerebro dañado, con esa construcción que puede llegar a producir pesadillas. La guitarra iniciando el tema con una suavidad engañosa, Waters susurrando aquello de que “el lunático esta en la hierba”, y los coros, donde se menciona el nombre del álbum, construidos sobre un crescendo de teclados, producen una sensación de inquietud y mal rollo digna de estudio. Al inicio de la segunda estrofa, el cantante-bajista nos informa de que el lunático “esta en el hall”, ha entrado, de la hierba del jardín a casa, y al final nos confiesa que el lunático “esta en su cabeza”, mientras unas aterradoras risotadas dementes abruman al oyente.
Todo parece cobrar sentido cuando, en la final “Eclipse”, se nos expone la conclusión final: “Todo cuanto hay bajo el sol esta en armonía, pero el sol esta eclipsado por la luna”. El disco se despide con el sonido ahogado del latido, cerrándose el circulo.
Pink Floyd se convirtieron con este Lp en la banda en activo más importante de Inglaterra, junto a Led Zeppelín y los Rolling Stones. El batería Nick Mason cuenta en su autobiografía que a raíz del éxito se deshizo de su modesta casa en el barrio londinense de Camden para trasladarse a la lujosa zona residencial de Hampstead. Cuando el empleado del banco le dijo si podía avalar la nueva adquisición, Mason sonrió y dijo: “Supongo que si. Soy numero Uno en ventas en los Estados Unidos.”
Otra vez he de hacer la recomendación yo, Hayk, ya que el habitual publicante de recomendaciones sigue sin internet, así que a partir de hoy la publicación de recomendaciones corre a cargo de Hayk y Leviathan. Dicho esto, empiezo con la recomendación de este majestuoso álbum de Led Zeppelin:
El cuarto álbum de la banda Led Zeppelin, el cual no tiene título, es conocido principalmente como Led Zeppelin IV, para mantener la numeración de sus álbumes anteriores, aunque también recibe otros nombres: Zoso, Runes, Four Symbols, Four, Sticks o incluso Unnamed.
La reacción al tercer disco de Led Zeppelin no fue la esperada. La crítica esperaba un sonido más duro, y los fans reclamaban que el grupo siguiera el estilo marcado en el Led Zeppelin II. Algunos incluso intentaron minar la reputación del grupo, acusándolos de ser solo músicos famosos. Ante esto, la respuesta del grupo fue bastante airada:
"Acabamos hartos de las reacciones sobre el tercer álbum, de la gente diciendo que solamente éramos un montaje. Así que dijimos: '¡Saquemos un álbum sin título!' De ese modo, a la gente le gustaría o nada". Page
El resultado superó las expectativas. Para muchos fans y para parte de la crítica, el cuarto álbum es el mejor de Led Zeppelin.
Fue lanzado al mercado en 1971 y vendió quince millones de copias en poco tiempo, estableciendo al grupo como una de las bandas más importantes de la década. Con el tiempo, ha llegado a vender veintidós millones de copias, siendo el álbum más vendido de la banda y convirtiéndose a su vez en el segundo álbum más vendido de los años 1970, sólo por detrás de The Wall, y en uno de los más vendidos de todos los tiempos, ocupando la cuarta posición en el ranking de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA (Recording Industry Association of America).
El álbum incluye temas como "Rock And Roll", "Black Dog", "When the Levee Breaks" y sobre todo "Stairway To Heaven".
Título
El álbum no tiene un título definido, hecho derivado de la decisión tomada por Page después de la fría recepción por parte de la crítica del tercer álbum de la banda. Por razones de continuidad, se tiende a llamarlo Led Zeppelin IV, aunque en su versión original, no había absolutamente nada escrito en el disco que permitiese identificarlo, salvo la frase "Produced by Jimmy Page" en la funda interior. La edición original en vinilo se convirtió en objeto de culto entre los seguidores de Led Zeppelin y actualmente es muy buscado por los coleccionistas.
En cuanto a la portada, en esta ocasión conectó más con los gustos del grupo, según comentaba Page:
"Robert y yo ideamos el diseño del IV. Robert había comprado la lámina que aparece en la portada en una chatarrería en Reading. Entonces se nos ocurrió la idea de que la imagen -el hombre con la leña- representase lo antiguo en un edificio derruido, con lo nuevo surgiendo por detrás."
Símbolos en el diseño del álbum.
En la funda también aparecían unos extraños símbolos únicos, a modo de firma de cada uno de los integrantes de la banda. De izquierda a derecha:
El símbolo de Jimmy Page
Se desconoce exactamente lo que este símbolo significa ya que el propio Jimmy Page se ha mostrado reacio a revelarlo. Por lo cual su significado sigue siendo un misterio y es conocido solo por el propio Jimmy Page. Ha sido asociado con el ocultismo, aunque también puede significar la representación de la chispa creativa de conciencia divina que existe en cada individuo, enlazándole con la fuente del origen de la vida y haciéndole cocreador del mundo. Representa el deseo de vivir y la energía vital del individuo.
El símbolo de John Paul Jones
Simboliza el cuerpo, la mente y el alma.
El símbolo de John Bonham
Es un símbolo temprano de la Trinidad. Cada círculo tiene su propio centro, por lo cual están completos en sí mismos; al mismo tiempo cada uno tiene una gran porción en común con los demás círculos, aunque solo la parte central esta cubierta por los tres círculos. En esa porción hay un nuevo centro que es el corazón verdadero de la figura
El símbolo de Robert Plant
La pluma es el símbolo del dios Egipcio Ma'at, dios de la justicia.También es el símbolo de un escritor; símbolo en el que se han basado todo tipo de filosofías, y tiene una herencia interesante. Por ejemplo, significa valentía en muchas tribus.
En una de las casas que se ven al fondo de la foto aparece un cartel blanco con este mensaje: "Alguien muere de hambre cada día". Se intentó que las letras fueran más visibles, pero el resultado es el que aparece. La ilustración del interior, elegida especialmente por Jimmy Page, fue realizada por Barrington Colby, y representa al Ermitaño del tarot, una figura que representa (según Page) autosuficiencia y sabiduría. En la funda del disco aparecía la letra de una de las canciones. Se trataba de "Stairway To Heaven".
Listado de canciones
"Black Dog" (Page/Plant/Jones) - 4:54
"Rock and Roll" (Page/Plant/Jones/Bonham) - 3:40
"The Battle of Evermore" (Page/Plant) - 5:51
"Stairway to Heaven" (Page/Plant) - 8:03
"Misty Mountain Hop" (Page/Plant/Jones) - 4:38
"Four Sticks" (Page/Plant) - 4:44
"Going to California" (Page/Plant) - 3:31
"When the Levee Breaks" (Page/Plant/Jones/Bonham/Memphis Minnie) - 7:07
Aquí os dejo este vídeo en el que podéis escuchar el álbum completo:
Antes que nada, os comunico que la recomendación llega con retraso debido a que Dennis (el que suele hacer las recomendaciones) se ha quedado sin internet, así que esta vez la haré yo, Hayk.
God & Guns es el undécimo álbum de estudio de la rock sureño grupo Lynyrd Skynyrd, lanzado el 29 de septiembre de 2009. El single "Still Unbroken" fue lanzado el 27 de julio 2009 seguido de otro tema, "Simple Life", el 4 de agosto de 2009. Hughie Thomasson, contribuyó a la redacción de muchas canciones, incluyendo este primer sencillo, antes de su fallecimiento. "Still Unbroken", fue escrito después de la muerte del bajista original Leon Wilkeson en 2001.
El título del álbum (y su canción principal) es una referencia a un discurso Barack Obama dio en San Francisco, ridiculizando la pequeña ciudad América por aferrarse a su "Dios y a sus pistolas"
El primer single y álbum de debut, "Still Unbroken" fue el tema oficial de la WWE Breaking Point Pay-per-view el 13 de septiembre de 2009, y aparece en el juego WWE SmackDown vs. Raw 2010 .
God & Guns debutó en el número 18 en el Billboard 200. Es la más alta posición de una Lynyrd Skynyrd álbum desde Street Survivors de 1977.
Aquí os dejo el tracklist completo:
Disco 1
"Still Unbroken" - 5:06
"Simple Life" - 3:17
"Little Thing Called You" - 3:58
"Sur Ways" - 3:48
"Skynyrd Nation" - 3:52
"Unwrite que Song" - 3:50
"Floyd" - 4:03 (feat. Rob Zombie )
"That ain´t my america América" - 3:44
"Comin 'Back For More" - 3:28
"God & Guns" - 5:44
"Storm" - 3:15
"Gifted Hands" - 5:22
Disco 2
"Bang Bang" - 3:10
"Raining In My Heartland" - 3:54
"Hobo Kinda Man" - 3:53
" Red White & Blue (Love it or Leave) (en vivo)" - 5:42
